Fundación Sinfonía

George Gershwin

(Brooklyn, Nueva York, 1898 - Beverly Hills, California, 1937)

• Rhapsody in Blue

Gershwin se inició en la composición de obras del género popular, convirtiéndose en poco tiempo en uno de los más sobresalientes compositores de este género. Pero no era ésa la meta de sus aspiraciones; pensaba que podía llegar mucho más lejos utilizando los ritmos y las melodías del jazz en obras de concierto, creando así una música culta genuinamente norteamericana.

Su primer intento en este sentido fue una obra para piano y orquesta titulada Rhapsody in Blue. Esta composición fue escrita en el año 1924 a petición del director de orquesta Paul Whiteman. Se estrenó en el Aeolian Hall de New York el 12 de febrero de 1924, en un concierto de obras exclusivamente norteamericanas, con una orquesta de veintidós músicos dirigida por Paul Whiteman, con el autor tocando la parte de piano. Con este concierto, Whiteman se proponía demostrar que con los elementos del jazz se podía escribir música culta.

Hasta esa época, Gershwin se había limitado a componer obras para piano y para canto y piano. Careciendo de la experiencia necesaria en orquestación, ésta se puso a cargo del compositor Ferde Grofé y así se tocó el día de su estreno en el Aeolian Hall, frente a un público en el que se encontraban los más sobresalientes músicos del momento, entre ellos Leopold Stokowsky, Walter Damrosch, Willem Mengelberg, Fritz Kreisler, Mischa Elman, Jascha Heifetz, Moritz Rosenthal, Serguei Rachmaninov y otros. El éxito fue rotundo y desde ese instante la obra recorrió el mundo con una rapidez sin precedentes. Su proyección fue tal que famosos compositores europeos utilizaron el novedoso idioma del jazz en muchas de sus obras clásicas.

La Rhapsody in Blue fue escrita originalmente para piano y una pequeña orquesta en la que figuran instrumentos característicos de jazz, estando el piano integrado a la orquesta, sin pretensiones de instrumento concertista.

Con alguna frecuencia el título de esta obra, Rhapsody in Blue, ha sido traducido al español como “Rapsodia en Azul”. Esta traducción es incorrecta pues la palabra “Blue” en este caso no se refiere al color azul sino al género de música norteamericana derivada del ”fox trot”, cuyo nombre no tiene traducción al español. Por eso, la traducción correcta sería “Rapsodia en Blue”, es decir, Rapsodia con las características de la danza norteamericana denominada “Blue”.

Instrumentación: Piano solista, 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, clarinete bajo, 2 fagotes, 3 saxofones, 3 cornos, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, timpani, percusión y cuerdas.

Frédéric François Chopin

(Żelazowa Wola, cerca de Varsovia, Polonia, 1810 – París, Francia, 1849)

• Concierto No. 1 en Mi menor menor, para piano y orquesta, Opus 11
• I. Allegro maestoso
• II. Romanza: Larghetto
• III. Rondo. Vivace

Chopin escribió dos conciertos para piano y orquesta. Su numeración corresponde a la fecha de publicación y no a la de composición, pues el concierto que lleva el numero uno fue escrito después del que se conoce como no. 2, en Fa menor.

El concierto no. 1 en Mi menor fue compuesto en el año 1830, época en que Chopin vivió en Polonia. Su estreno se efectuó en Varsovia el 11 de octubre de ese mismo año con Chopin como solista.

La orquestación original de este concierto fue objeto de varias revisiones a mano de otros músicos que la consideraban muy pobre. Entre estos figura principalmente Carl Tausig. Aún así, la obra carece del equilibrio entre el solista y la orquesta que caracteriza las obras de este género. En este concierto la presencia del piano se advierte en todo momento, de ahí que Berlioz tildara a la parte de orquesta, “un frío y casi innecesario acompañamiento”. No obstante, la hermosura y lirismo de esta obra la sitúan entre los grandes conciertos para piano.

El primer movimiento se inicia con una introducción de la orquesta que expone los temas fundamentales del movimiento, el primero de estos, enérgico, lo presenta la orquesta en forma decidida; el segundo contrasta con el anterior por su ternura y melancolía. Después, el piano los toma y los desarrolla con bellos ornamentos. El segundo movimiento, titulado “Romanza”, es un “Larghetto” poético y tierno, con la característica melancolía chopiniana. La entrada del piano está precedida de una introducción de las cuerdas que tocan con sordina. El tercer movimiento es un “Rondo” que contrasta con el movimiento anterior por su carácter alegre y juvenil. Abundan en él pasajes de virtuosismo que exigen al solista una desarrollada técnica.

Instrumentación: Piano solista, 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 cornos, 2 trompetas, trombón, timpani y cuerdas.

Piotr Ilyich Tchaikovsky

(Votkinsk, Rusia Imperial, 1840 – San Petersburgo, 1893)

• Concierto No. 1 en Si bemol menor, para piano y orquesta, Opus 23
• I. Allegro non troppo e molto maestoso. Allegro con spirito
• II. Andantino semplice. Prestissimo
• III. Allegro con fuoco

Tchaikovsky escribió cuatro conciertos para un solista y orquesta: tres de ellos, para piano; y el cuarto, para violín. Entre estos, el primer concierto para piano y el de violín son los únicos que se ejecutan con gran frecuencia. El tercero de los conciertos para piano quedó inconcluso, pues el compositor sólo llegó a escribir el primer movimiento. Sergei Taneiev, uno de sus más distinguidos discípulos terminó la obra, pero muy raras veces se ha tocado.

El Concierto No. 1 en Si bemol menor fue escrito en el año 1874. Una vez terminada la obra, Tchaikovsky quiso que su amigo Nicholas Rubistein la oyera y le diera su opinión. En la noche de Navidad de ese mismo año, le tocó la obra a su amigo, quien en un juicio muy severo y en actitud exaltada la calificó de inejecutable, con temas tan cursis, groseros y torpes que ni siquiera era posible corregirlos. Agregó que como composición todo era pésimo y ordinario, que había robado alguna idea de acá, otra de más allá.

Después del incidente, Tchaikovsky rompió la dedicatoria que había hecho a Rubinstein y la sustituyó por otra al famoso pianista alemán Hans von Bülow, quien recibió la obra con entusiasmo y la tocó en su estreno mundial en Boston el 25 de octubre de 1875.

Años más tarde, Rubinstein tuvo la honradez de confesar su error y tocó la obra muchas veces - el mismo hecho volvió a ocurrir cuando Tchaikovsky dio a conocer su Concierto para violín y orquesta Op. 35 al famoso violinista ruso Leopoldo Auer.

El Concierto No. 1 para piano y orquesta de Tchaikovsky es uno de los favoritos del público. Sus bellas melodías y su carácter eminentemente romántico constituyen la razón de su gran popularidad.

La obra consta de tres movimientos. El primero, Allegro non troppo e molto maestoso. Allegro con spirito comienza con una larga introducción en la que los cornos anticipan el tema que sigue, el cual presenta la orquesta y luego lo toma el piano. Este majestuoso tema no vuelve a aparecer más. El tema con que se inicial el Allegro con spirito es una melodía entrecortada y vivaz que Tchaikovsky dijo haber oído cantar por un mendigo ciego en Kamenko. Le sigue una melodía de carácter lírico que exponen primeramente los cornos y las maderas, pasando luego al piano. Un tercer tema netamente ruso completa el material con que Tchaikovsky elabora el amplio desarrollo del movimiento hasta llevarlo al final con una cadenza del piano.

El segundo movimiento, Andantino semplice. Prestissimo, comienza con una tierna melodía de la flauta acompañada de las cuerdas con sordina, que luego toma el piano. El lento movimiento cambia en su parte central a un Prestissimo con un tema rápido que tiene el carácter de un vals. Esta melodía es el estribillo de la canción francesa “II faut s’amuser, danser et rire” (Es preciso divertirse, bailar y reír) que el compositor y sus hermanos solían cantar y silbar en su juventud.  Después de una breve cadenza del piano, el movimiento concluye volviendo al tema inicial.

El tercer y último movimiento, Allegro con fuoco, tiene forma de rondó con melodías de carácter puramente nacional. Se inicia con una salvaje danza cosaca que expone el piano. El movimiento finaliza en forma triunfal con una melodía folklórica que el compositor lleva a un clímax.

Instrumentación: Piano solista, 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 cornos, 2 trompetas, 3 trombones, timpani y cuerdas.